Embora Andy Warhol tenha morrido há três décadas, ele é um dos poucos artistas facilmente identificáveis em uma multidão – tanto por sua aparência física dirigida por arte quanto por sua arte. De suas Campbell’s Soup Cans, Marilyns e Electric Chairs às centenas de filmes que ele fez e os muitos retratos da sociedade que pintou, Andy Warhol moldou a forma como nos lembramos anos 1960 e 70.
Usando fotos recortadas de jornais, revistas, fotos publicitárias e anúncios e, eventualmente, o seu próprio, Andy Warhol teria serigrafias e combiná-las com acrílico e lápis de grafite, pintando e desenhando em uma superfície que ele então imprimiria, muitas vezes repetindo ou espelhando uma imagem. A tinta preta granulada e borrada e seu alinhamento desequilibrado da imagem impressa replicaram os efeitos de uma impressora barata, inaugurando um novo tipo de realismo ousado, enquanto o processo de serigrafia permitiu Andy Warhol criar centenas de variações do mesmo assunto.
Mais de três décadas após sua morte, o prolífico artista pop e o corpo de trabalho do ícone cultural continua a cativar. Aqui está uma lista de 10 categorias da arte de Andy Warhol ( de forma alguma exaustiva ) de sua produção icônica.
Primeiros desenhos e ilustrações comerciais
O que define Os desenhos de Andy Warhol além dos outros artistas da época, não são apenas seu charme casual, mas também suas linhas manchadas de marca registrada, o resultado de experiências iniciais de impressão influenciadas pelo trabalho do artista Ben Shahn. O processo envolvia desenhar uma imagem, traçá-la com tinta úmida ou aquarela e, em seguida, pressionar uma folha de papel contra ela para criar uma reprodução única.
A linha preta levemente manchada que resulta parece ter sido produzida pela tinta barata de um jornal – um efeito que Warhol abraçou na década seguinte com suas serigrafias sobre tela.
Cultura do consumidor
Quando Andy Warhol trouxe a imagem de uma lata de sopa Campbell do supermercado para o estúdio, em 1961, ele garantiu d seu legado como um artista contemporâneo radical.
Pouco depois de Warhol pintar as latas de sopa, ele percebeu que poderia alcançar mais facilmente a estética produzida em massa que procurava com serigrafias, também chamadas de serigrafias, e começou a fazer experiências com serigrafia em tela. Ele usou a técnica para imprimir pinturas de garrafas de Coca-Cola e notas de dólar (ambos em 1962), bem como suas valiosas esculturas de caixa de Brillo (1964).
Embora Andy Warhol tenha abandonado sua carreira como ilustrador comercial, sua apreciação pelos símbolos do pós-guerra o consumismo nunca diminuiu. Ele voltou ao tema em 1985, quando o revendedor Ronald Feldman o contratou para criar o Portfólio de Anúncios, um conjunto de 10 imagens comerciais – impressas em tela de museu em uma edição de 190 – incluindo aquelas para Macintosh da Apple, Paramount, o Fusca da Volkswagen e Chanel No. 5. Warhol personalizou-os fazendo-os parecer desenhados à mão.
Marilyn, Liz, Jackie
Andy Warhol foi rápido em aderir à tendência da mídia de massa para tratar o glamour e a tragédia com igual peso . A overdose suicida de Marilyn Monroe em 1962 foi o alimento ideal, e ele reproduziu seu rosto dezenas de vezes, primeiro pintando a tela com manchas de pigmento para denotar seu cabelo, sombra e lábios, depois imprimindo a serigrafia fotográfica preta, tirada de uma foto publicitária de 1953, na superfície, sozinho, duplicado ou repetido em uma grade. Especialmente poderosas são as imagens em que a impressão da tela é escura, manchada ou fora do registro, revelando o lado feio do glamour da superfície de Monroe.
Warhol similarmente se apropriou de imagens de Elizabeth Taylor (1963), que estava lutando contra uma grave pneumonia na época, e cujos relacionamentos românticos infelizes eram objeto de intenso escrutínio público; de Jackie Kennedy (1964), logo após o presidente Kennedy ser baleado; e de Elvis (1963), quando sua carreira começou a se voltar para o sul.
Morte e Desastres
De 1962 a 1965, Andy Warhol explorou as notícias em busca de imagens, apropriando-se de fotos da imprensa de acontecimentos sombrios . As pinturas assombrosas de sua série “Morte e Desastres” – cadeiras elétricas, acidentes de carro, suicídios, brutalidade policial e envenenamento por botulismo reproduzidas em tons ácidos e dispostas em grades – revelaram um lado mais sombrio de Warhol que sempre esteve lá. Muitos colecionadores, negociantes e curadores tiveram dificuldade em engolir as fotos na época, e ele as mostrou apenas em Paris no início.
Incrivelmente relevante hoje, essas obras mostram um lado político tranquilo de Andy Warhol que borbulhou em sua obra, mas foi muitas vezes ofuscado pelo que alguns perceberam como táticas de choque, tanto do próprio artista quanto da mídia de massa. No entanto, como o falecido curador e crítico Okwui Enwezor sugeriu no catálogo da mostra do Whitney Museum, “ O interesse de Warhol não estava necessariamente focado apenas no espetáculo da morte e nos relatos sensacionalistas da mídia sobre ele, mas sim estava envolvido em um angustiado reflexão sobre a condição de seu país. ”
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Flores
As flores de Andy Warhol – possivelmente suas imagens pop mais reconhecíveis – podem parecer um grande salto em direção a um assunto mais palatável e agradável . Mas, como muitos críticos sugeriram, eles são muito mais do que apenas belas fotos. Afinal, as flores são o símbolo máximo da beleza passageira – e há mais do que isso.
Diz a lenda que Warhol estava em busca de uma ideia para seu primeiro show com Leo Castelli quando era amigo de Warhol como curador Henry Geldzahler sugeriu que ele partisse de motivos mórbidos. Enquanto folheava uma edição da Fotografia moderna a dupla descobriu uma história sobre o novo sistema de processamento de cores da Kodak, ilustrado com uma série de flores de hibisco em diferentes tons.
Como Blake Gopnik aponta, Andy Warhol Flores entrou em cena “ exatamente no momento em que o flower power estava chegando a uma boutique perto de você ”, de tecidos Marimekko à moda jovem e fresca. Ainda mais importante, Gopnik observa, as Flores “ contaram uma piada artística sobre o impulso decorativo que estava por trás das abstrações tão sérias dos últimos pintores Op e Color Field, os mais recentes safra de rivais . ”
Fotografias
Mesmo quando se apropriava de muitas das imagens de seus primeiros trabalhos da mídia, Andy Warhol estava construindo um arquivo de suas próprias fotos. Ele arrastou amigos e clientes – Holly Solomon, Sandy Brant e Ethel Scull – até as cabines de fotos em butiques decadentes da Time Square e as tiras de imagens que resultaram definiram um curso para a serialidade obsessiva de Warhol.
Ele transformou algumas dessas fotos em serigrafias. O impulso de Warhol para documentar cada conhecido, amigo e ocasião social é considerado um precursor da cultura do Instagram. Mas ele também deixou para trás milhares de fotos de fotos tiradas para a sociedade dos anos 1970 e comissões de retratos de celebridades.
A última exposição de Andy Warhol na Galeria Robert Miller de Nova York, pouco antes sua morte, consistiu em 90 impressões de gelatina de prata exclusivas costuradas juntas.
Presidente Mao
Após um hiato de oito anos na pintura, Andy Warhol voltou ao médium em 1972 com o assunto celebridade no topo de todos: Mao Zedong. A história frequentemente contada é que o negociante de Warhol em Zurique, Bruno Bischofberger, ansioso para trazer o artista de volta à pintura, sugeriu que ele abordasse a figura mais importante do século 20. Folheando uma revista Life, Warhol viu o presidente Mao descrito como a pessoa mais famosa do mundo.
Em algumas versões, Mao parece estar usando o tipo de maquiagem berrante vista em Marilyn ou Liz, uma alteração isso parece engenhosamente apropriado e ridículo para um tirano que exigia lealdade e foi responsável pelo desaparecimento de milhões de cidadãos chineses.
Comissões de retratos
No início dos anos 1970, como sua revista infundida por celebridades, Interview tomando g off, Andy Warhol encontrou-se esfregando cotovelos com a alta sociedade americana e europeia. Warhol tinha uma longa história de basear retratos em imagens encontradas, mas para essas novas pinturas, ele tirou suas próprias fotos. Ele trazia assistentes para seu estúdio agora bem equipado ou viajava pelo mundo para capturá-los com sua câmera Polaroid Big Shot. Era um dispositivo desajeitado, mas portátil, que se adequava perfeitamente ao seu propósito: usado de perto, a lente achatava a imagem, enquanto seu flash robusto clareava as imperfeições faciais. Andy Warhol iria construir uma imagem composta a partir de várias fotos, produzi-la como uma serigrafia e, em seguida, imprimi-la sobre suas telas pintadas.
Seus patrocinadores eram quem era quem dos A-listers dos anos 1970, incluindo Yves Saint Laurent, Carolina Herrera, Diane von Furstenberg, David Hockney, Leo Castelli, Giovanni Agnelli, Dolly Parton, Liza Minelli e Mick Jagger.
Pinturas de oxidação
Essas abstrações de 1977-78, mais carinhosamente conhecidas como “Pinturas de urina”, foram um afastamento acentuado das serigrafias de Warhol, embora não menos subversivo. A série leva o nome do processo usado: um jato de urina atinge uma tela recém-pintada com acrílico enriquecido com cobre e, à medida que o ácido úrico oxida o metal da tinta, padrões em verde e preto emergem na superfície cintilante. [19659012] 
Andy Warhol fez muito da “pintura” com seu assistente de estúdio de longa data, Ronnie Cutrone, mas ele também convidou convidados para tirar uma foto, direcionando-os para a tela esticado no chão. O padrão produzido foi parcialmente deixado ao acaso, mas Warhol insistiu que exigia habilidade e foi muito seletivo quanto às telas que manteve na série. Eles variam de manchas assustadoras e sombrias a delicados respingos e gotas.
Sua inspiração óbvia – ou o alvo de sua zombaria subversiva – foi Jackson Pollock, que tinha sido celebrado por sua masculinidade abstração gestual.
Basquiat Collaboration
Andy Warhol já conhecia Jean-Michel Basquiat quando os dois foram formalmente apresentados em um almoço organizado pelo negociante suíço Bruno Bischofberger em 1982. O par tornou-se companheiro próximo s, na cidade e no estúdio, com Warhol servindo como uma figura parental para o jovem tagger criado no Brooklyn que se tornou estrela da arte e Basquiat reacendendo Andy Warhol a conexão de Andy Warhol com a cena da arte contemporânea que fervilhava no East Village.
Bischofberger organizou uma colaboração em 1983 entre Warhol, Basquiat e o pintor italiano Francesco Clemente, na qual se revezaram trabalhando em uma tela que foi passada de estúdio para estúdio. Depois disso, Andy Warhol e Basquiat se destacaram por conta própria e criaram 16 telas juntos em 1984 e 85, fundindo os textos e símbolos serigrafados e pintados de Warhol em forma de logotipo com os rabiscos espontâneos de Basquiat de crânios, animais e outros formas narrativas. As colaborações terminaram abruptamente depois que uma crítica nada lisonjeira de seu show assustou Basquiat.
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